Deutsches Theater Berlin: la justicia divina no es posible en un mundo violento

Exponer cómo la justicia divina no puede existir en un mundo fértil para la violencia extrema y donde la redención es un acto imposible de efectuar para cualquier humano, es a decir de Henning Vogt y Constanze Becker, actores de la compañía teatral Deutsches Theater Berlin, el punto toral de la versión de La Orestiada, que presentarán en el 36 Festival Internacional Cervantino.

“Se trata de una propuesta escénica teñida por el dolor de la guerra y la desesperanza, donde el impacto visual que ejerce la sangre sobre cualquier persona será elevado exponencialmente, para mostrar, metafóricamente, que el hombre es inherente al placer, al dolor, al miedo, a la devastación y al poder que representa la sangre”, expresó en conferencia telefónica desde Berlín, Alemania, Hening Vogt, quien interpreta al Rey Agamenón en el dirigido por el joven Michael Thalheimer.

El actor afirmó que la exposición del vital líquido es de suma importancia para la puesta en escena, pues la intención del director es revelar que el sufrimiento y la ambición por el poder han trascendido las barreras del tiempo; que en la actualidad el hombre forja su destino según sus intereses personales y que responde al llamado de sus vísceras antes que a la razón. “Quizá el planteamiento escénico de Michael cambie en la visión de que las cosas hoy en día no suceden por mandato divino, sino que son consecuencia de actos premeditados por uno mismo”.

“¿Cómo regresa un hombre a casa después de haber estado 10 años en la guerra? Es la interrogante que desdobla un sinnúmero de convenciones emotivas de mi personaje, pues de ella parte todo el drama de Agamenón, a quien debo encarnar durante mi actuación”, declaró.

Por su parte, Constanze Becker comentó que un marco de madera, en el que sólo hay un pasillo al frente, así como una intensa lluvia roja, que tiñe del mismo color el cuerpo de los actores y demás elementos plásticos, integran el diseño escenográfico que Olaf Altmann configuró para esta versión abreviada de Oliver Reese, quien redujo las 9 horas de la trilogía original, en 100 minutos de intenso dramatismo.

“La idea es que el público sienta la opresión de un escenario cerrado, donde las convenciones emotivas incomoden y conmuevan al público más allá de las acciones físicas, para que experimenten con nosotros el hecho teatral de manera intensa. Por ello, a diferencia de otros montajes, en esta ocasión el público no estará a oscuras, sino que será alumbrado para establecer una interacción más directa con los actores”.

Informó que el coro de 40 personas, que repite en escena el estribillo “actúa, sufre, aprende”, no estará presente en sus funciones de la Ciudad de México, ni en las de Guanajuato, por cuestiones logísticas, por lo que será sustituido por el director del coro, quien estará entre el público para reforzar la interacción que desean con el público.

“Originalmente se busca esta conexión directa con el público mediante la presencia del coro, que a su vez simboliza al público del antiguo teatro griego, sin embargo, para nuestras presentaciones en el Cervantino y en el Teatro Julio Castillo, se resolverá con la actuación de un sólo cantante, quien seguramente utilizará instrumentos tecnológicos para proyectar con más fuerza su voz”.

Sobre su interpretación de Clitemnestra, Becker señaló que esencialmente es la misma que dibujó la pluma de Esquilo, sólo que en esta ocasión mostrará una visión más devastadora e intensa. “El dolor, la pena y el sufrimiento es el mismo, por ello no es exagerada la presencia de la sangre en este montaje, pues además de proyectar una fuerza visual, se busca mostrar que el vital fluido forma parte de la naturaleza del hombre”.

Ambos actores ponderaron el trabajo de mesa, donde director, dramaturgo y actores vertieron sus propuestas en el afán de sostener durante 90 minutos, la esencia principal de esta tragedia griega, que fue abreviada por el dramaturgo alemán Oliver Reese. “Los actores debemos llevar nuestra fuerza dramática al límite, para poder encarnar todo el conflicto familiar que viven Agamenón, Clitemnestra, Orestes, Electra y Egisto”, afirmó Vogt.

La esencia de la historia es la misma, sólo cambia la manera de contarla en escena, pues mientras en el texto original de Esquilo, se narran de forma detallada pasajes de Agamenón en la guerra, en la versión de Reese se desdoblan las emociones y los sentimientos de los personajes, concluyó Becker.

Con apoyo del Instituto Goethe de México, el Deutsches Theater Berlin presentará La Orestiada, bajo la dirección de Michael Thalheimer los días 5 y 6 de octubre en el Teatro Julio Castillo del Distrito Federal, y 10 y 11, a las 18:00 horas, en el Teatro Principal de Guanajuato, como parte de las actividades de la edición 36 Festival Internacional Cervantino.

La música, primer diálogo entre España y el Nuevo Mundo: Jordi Savall

La música siempre vive en el contexto histórico de su momento. Existe únicamente cuando se ejecuta y se canta y existirá mientras exista el hombre y siempre será diferente, afirmó Jordi Savall, director de La Capella Reial de Catalunya, agrupación que al lado de Hespèrion XXI y Tembembe Ensamble Continuo, se presentará en el 36 Festival Internacional Cervantino.

Considerado uno de los grandes intérpretes de la viola da gamba en el mundo, Savall fundó La Capella Reial, junto con Montserrat Figueras con la finalidad de dar a conocer y revalorizar dicho instrumento, “al mismo tiempo que difundir los repertorios antiguos, de los siglos XVI y XVII, lo que ha dado como resultado que ésta música ha pasado de un ámbito elitista a uno mucho más amplio y vasto”.

Al detallar el programa que ofrecerá en el Templo de la Valenciana, el próximo 18 de octubre, titulado Encuentro de músicas de fuego & ayre de la Iberia antigua al Nuevo Mundo, el músico catalán informó que éste será “un encuentro de músicas, tal y como se realizaba en las épocas antiguas”, y señaló que las piezas poseen orígenes diferentes: algunas provienen de la antigua España, como piezas de los Cancioneros del Siglo de Oro, y otras provienen del Nuevo Mundo y han sido encontradas en diferentes bibliotecas, algunas de ellas en México, de autores que estuvieron trabajando en la Catedral y en otras construidas durante la época virreinal”.

Sobre las particularidades entre la música del continente americano, en relación con la que se producía en esa época en España o en otros lugares de Europa, comentó que las relaciones de la música de la antigua España con la del Nuevo Mundo, “se caracterizan por una gran capacidad de diálogo e influencia mutua. Recuerdo la expresión de Lope de Vega, hablando de la chacona: ‘esta indiana amulatada que nos viene de las indias’”.

Así, agregó el ganador del César a la mejor banda sonora por su participación en la película de Alain Corneau, Tous les Matins du Monde, “podemos hablar de obras que se producían en España pero con gran influencia de la relación con el mundo indoamericano. Las características fundamentales son que ambas músicas tienen ritmos, formas y lenguajes especiales, los cuales aún los captamos hoy en día en los sones, por ejemplo. Lo mismo sucede con las jácaras, que provienen de manuscritos del siglo XVII y XVIII y que serán interpretadas por el grupo mexicano Tembembe Ensamble Continuo”.

Entre el antiguo mundo y el indoamericano se estableció, a nivel musical, desde un principio, un verdadero dialógo. “Considero que la mejor calidad de diálogo que se produce en este encuentro entre los descubridores o conquistadores y el Nuevo Mundo, se produjo a través de la música. Así empezaron el primer diálogo propositivo, que siguió con las músicas religiosas, con las que comienzan las mezclas de lenguas y razas”, opinó.

Para lograr interpretar esta música “llevo muchos años escuchando folclor indoamericano. Los primeros viajes a América Latina los realicé en los años 70 y siempre me he interesado por el repertorio folclórico y de tradición oral. De esta forma, luego de estudiar estas fuentes, imagino qué instrumentos podrían utilizarse en esta época y usar los conocimientos que podemos relacionar con la tradición oral, en relación con estas obras históricas”, dijo Jordi Savall.

El músico comentó que la primera reacción del público al escuchar estas piezas es compararla con la “música actual, por sus ritmos y las riquezas de sus melodías. Creo que esta es la contribución más importante: su capacidad de transmitirnos la emoción, la belleza y la alegría, es decir, todo lo que contiene de vitalidad extraordinaria”.

La Capella Reial, uno de los primeros grupos vocales dedicados a la interpretación con rigor histórico, del repertorio del Siglo de Oro, constituido exclusivamente por voces hispánicas y latinas, se presentó en el Festival Internacional Cervantino en 2005, ocasión en que interpretaron las músicas de El Quijote, concluyó Savall, quien informó que en esta ocasión incluirán en su concierto villancicos antiguos y criollos, negrillas, danzas cantadas e instrumentales, improvisaciones y variaciones de Mateo Flecha, Pedro Guerrero, Du Bailly, Juan Hidalgo, Joan Arañés, Joan Cabanilles, Francisco Correa de Arrauxo, Frei Filipe da Madre de Deus, José Marín, Gaspar Fernándes, Juan García de Zéspedes y anónimos.

Tembembe Ensamble Continuo hace gala en sus interpretaciones antiguas, clásicas y tradicionales del son barroco, tanto de México como de Latinoamérica. Está integrado por Ada Coronel (voz), Donají Esparza (zapateado jarocho), Patricio Hidalgo (voz, jarana tercerola y arpa jarocha), Leopoldo Novoa (marimbol, guitarra de son tercera y arpa llanera), Enrique Barona (voz, huapanguera, jaranas, guitarra de son y leona), y Eloy Cruz (guitarra barroca, jarana barroca y tiorba).

El Ensamble surgió en 1998, después de que un grupo de músicos veracruzanos investigara, durante tres años, los antecedentes del son jarocho y se diera cuenta que la música Barroca de la guitarra española del siglo XVII, había influido en la música hispana del siglo XVII y XVIII. Desde entonces se ha propuesto investigar, recrear y difundir la intrínseca relación entre la música del periodo Barroco y el repertorio tradicional mexicano y latinoamericano, rompiendo la barrera histórica e imaginaria.

Poncho Sanchez: el jazz latino es la mejor música del mundo

El jazz latino es la mejor música del mundo: “además de tener el sabor de la música latina, de que se pueda bailar y disfrutar sus ritmos, posee la sofisticación de las armonías, melodías y composiciones americanas del jazz”, señaló Poncho Sanchez, uno de los mejores percusionistas y líder de una de las bandas más populares de jazz latino en la actualidad, que se presentará en la Explanada de la Alhóndiga en el Festival Internacional Cervantino.

La música del conguero e intérprete de salsa, cabalga entre dos mundos: nació en Laredo, Texas (1951) creció en Norwalk, y actualmente reside en Los Ángeles, California. Por su mezcla de dos culturas – mexicana y estadounidense- abrevó tanto de la música afrocubana: mambo, son, chachachá, rumba, guaracha y la salsa interpretada por los grandes exponentes de la época, como Tito Puente y del bebop y el jazz, principalmente el de Charlie Parker.

Los inicios del artista, ganador de un premio Grammy y varios reconocimientos y nominaciones en el ámbito de la música, fueron difíciles: “cuando tenía alrededor de 20 años, iba a Griffith Park, lugar donde se reunían cerca de 40 músicos que tocaban lo mismo los timbales que las congas, quienes aseguraban que ni los chicanos ni los mexicanos podíamos tocar ese tipo de percusiones, pero les demostré que sabía hacerlo, y a decir de Tito Puente, bastante bien por cierto”.

Poncho Sanchez, quien se considera un conguero chicano que disfruta el narrar sus encuentros y hablar de sus pasiones y amistades, comenta que nunca le ha gustado el rock, prefiere el chachachá, el mambo, el soul y, sobre todo, los tríos.

Luego de recordar sus presentaciones en la sala Ollin Yoliztli, al lado de Roberto Morales, las fiestas con tequila en casa del músico mexicano y sus tocadas en la UNAM, Monterrey, Guadalajara, Querétaro y Veracruz, el artista reconoció que ha escaseado sus visitas a nuestro país, “un poco debido a la situación de violencia que impera, pero México es un país que me gusta mucho”.

En 1975, a los 23 años, el vibrafonista Cal Tjader, uno de sus ídolos musicales, lo invitó a tocar en su banda. Al descubrir su talento, Tjader no dudó en ofrecerle formar parte de su banda, en la que participó el percusionista durante varios años, hasta la muerte de Cal, ocurrida en 1982.

Antes de su muerte, Tjader sugirió al fundador de la disquera Concord Record, Carl Jefferson, contratar a Poncho Sanchez y su banda para que grabara con el sello Concord Picante.

Al hablar sobre el programa que interpretará en el FIC, informó que tocará piezas de salsa, jazz latino, latin soul, seleccionadas de entre sus 24 discos, entre los que sobresalen Latin Soul y Do it en el que participa el ícono de la música funk Tower of Power, lo mismo que Hugh Masakela, uno de los mayores exponentes del funk de Sudáfrica.

El conguero dijo que su música ha evolucionado: con el paso de los años se ha desarrollado y transformado según la época. Al inicio de su carrera buscaba un estilo específico, después puso atención en lo que estaba haciendo bien y en los errores que cometía, tomó lo mejor y lo que más le gustaba de los diferentes músicos que le interesaban, como Cal Tjader, hasta que concretó un estilo que puede definir suyo.

Poncho Sanchez concluyó la charla reconociendo que haber grabado con los más importantes músicos de su época -Mongo Santamaría, Celia Cruz,Hugh Masakela, Clare Fischer, entre otros- es un sueño hecho realidad, pero que si pudiera pedir un deseo, le hubiera gustado que John Coltrane tocara con su banda. “Realmente lo único que deseo es continuar como hasta ahora, buscando ideas para integrarlas a la banda -música de tríos quizá- y ofreciendo una dosis de buena música en cada uno de mis discos”.

Poncho Sanchez Latin Jazz Band se presentará en la Explanada de la Alhóndiga de Granaditas, el sábado 18 de octubre, a las 20:00 horas.

Kawasemi-za toca el corazón de niños,

en una época en la que los videojuegos acaparan su atención

• Niños

Con una propuesta escénica que apela a la sensibilidad de cada individuo, más allá de la fascinación que provocan las nuevas tecnologías, los marionetistas japoneses Yoshiya Yamamoto e Izumi Masumura buscan cautivar al público mexicano en su primera visita, durante el 36 Festival Internacional Cervantino, donde Pastitos. La Carpa de los Niños será transformada en un colorido universo, que lo mismo proyecta un cielo abierto, que un océano o unas montañas.

Poema silencioso da título a este espectáculo, estructurado en una serie de historias fantásticas que buscan tocar el corazón de niños y adultos, y no impresionarlos con un inmenso despliegue tecnológico. “Para nosotros lo más importante es exaltar el lenguaje corporal y la sensibilidad que éste conlleva, la retroalimentación con el público es fundamental para cada uno de los titiriteros, sobre todo en esta época en la que los videojuegos y los medios audiovisuales han acaparado la atención de chicos y grandes”, expresó Izumi Masumura, en conferencia de prensa desde Tokio, Japón.

Sobre su puesta en escena, Masumura dijo que se trata de un montaje poético, donde diversos muñecos tallados en madera y articulados con alambres de piano y resortes, se moverán con la naturalidad de un ser viviente. “Es una serie de historias fantásticas que simbolizan diversas sensaciones, desde la búsqueda de un sueño, hasta el espíritu de un niño fallecido, como me lo confesó una mujer, quien después de presenciar nuestra actuación, nos compartió ese sentimiento que le provocó nuestro espectáculo”.

Para ellos, lo primordial es proyectar el sinfín de escenarios que se pueden crear a partir de la plasticidad de los muñecos. “El nacimiento de cada nuevo espectáculo se finca en la creación de cada marioneta, es decir, primero el señor Yamamoto esculpe y talla el títere en madera y después se imagina la historia, a partir de los colores y formas que le dio a su muñeco”.

A decir de Masumura, el señor Yamamoto, fundador de la compañía en 1981, ha ido perfeccionando esta detallada forma de manipular a las marionetas. “Su formación inició con las técnicas del teatro tradicional japonés, sin embargo consideró que había nuevos horizontes que explorar dentro de este universo plástico, en el que uno debe extender su sensibilidad a estos muñecos; para ello también hemos extendido nuestra formación a otras disciplinas escénicas como la danza y el ballet, en mi caso”.

Más de 120 marionetas integran el universo de estos titiriteros japoneses, quienes en esta ocasión en lugar de traer a su muñeco más pesado, de cinco kilos, llegarán con uno de 22 centímetros. “Cada uno de nuestros títeres lleva una parte de nosotros, por eso nos tardamos hasta seis meses en construirlos, lo cual coincide con nuestra forma de hacer teatro en la que más allá de impresionar, deseamos tocar el corazón de niños y adultos”.

Relatos como Persiguiendo el sueño; Rapsodia de pan; Un caballo llamado Ariel; El espíritu del agua, Tsurara; Yamu del mar; El baile de Hidora; Tink y Neesika, integran este montaje que ha sido presentado en países como Italia, Escocia, Marruecos, Israel, Estados Unidos, España, Canadá, Hungría, Irán, China, Corea y Túnez.

La Carpa de los Niños, ubicada en Pastitos, será la sede de este montaje fantástico que se presentará el viernes 10 de octubre, a las 11:00 (función únicamente para escuelas de Guanajuato) y 17:00 horas, y sábado 11 y domingo 12, a las 12:00 y 17:00 horas, así como los días 14 y 15, a las 18:00 horas, en el Teatro María Grever, de León, como parte de las actividades del 36 Festival Internacional Cervantino.

Kawasemi-za y su Poema silencioso estará además los días sábado 18 y domingo 19 de octubre, en el Teatro Julio Castillo del INBA, en la Ciudad de México.

Orchestre Chabab Al Andalous

Fundada en marzo de 1987 por iniciativa de jóvenes músicos con orígenes distintos, pero interesados en el rescate de la música de alÁndalus (nombre con que los musulmanes designaron a la península ibérica en el siglo IX), la Orchestre Chabab Al Andalous de Rabat ha ampliado considerablemente su resonancia en dos décadas. Además de persistir en su trabajo de difusión de la obra de Ziryab (789-857), poeta, músico y cantante árabe que elaboró el mayor repertorio de música andaluza con ayuda de sus 10 hijos y de muchos discípulos, Chabab Al Andalous también ha creado una organización artística y religiosa que tiene como objetivo cuidar esa música y difundirla entre la gente joven. Asimismo, en 1998, la Asociación Chabab Al Andalusian abrió una oficina representativa en París que le permite tener mayor presencia tanto en Europa como en Marruecos, que es adonde se dirigieron los árabes después de que en 1492 terminara su presencia en alÁndalus. Su presentación es una oportunidad magnífica para acercarse a conceptos sonoros y estéticos que han llegado intactos al presente.

AGRADECIMIENTOS:

Con la colaboración de la Embajada de Marruecos en México y Association Chabab al Andalous de Rabat

Orquesta Típica Ah Kim Pech

Duración:

90

Humberto Puerto y Puerto, dirección

La introducción en la Nueva España de música proveniente del continente europeo, como las seguidillas, las boleras, el fandango y demás, generó nuevos ritmos al mezclarse con los propios de los pueblos hispanoamericanos. A su vez, la influencia de esos ritmos permeó en la inventiva musical de Campeche, cuyos compositores dieron origen a hermosas habaneras, valses tropicales, jacarandosas huarachas, cantos patrióticos o románticos bambucos.Tal repertorio melódico de autores campechanos ha encontrado en la Orquesta Típica Ah Kim Pech del Ayuntamiento de Campeche, formada por 59 músicos y su director, Ricardo Humberto Puerto y Puerto, a uno de los mejores embajadores para su difusión. Los arreglos musicales del maestro Puerto y Puerto dotan a la agrupación de un estilo singular, que disfrutan y reconocen los turistas nacionales y extranjeros que visitan la ciudad de Campeche, y quienes la han escuchado en los conciertos ofrecidos en diversos recintos del país, así como en sus presentaciones en la ciudad de Antigua, durante las conmemoraciones por la independencia de Guatemala, en 2006.

Anajnu Veatem -

Compañía de Danza Judía en México

David Shalkow, dirección

Moy Covalín, dirección artística

Un pueblo nómada como el judío es constructor de “países autónomos” donde quiera que esté. Nos referimos al “país cultural” que vive en cuerpos y costumbres. Digamos que el grupo Anajnu Veatem, “nosotros y ustedes”, en hebreo, es una célula de ese “país” que la cultura judía ha creado en México. Y qué mejor que el arte de la danza para hablar de sus raíces, antiguas y presentes. Porque esta zona expresiva de la tradición judía vive en un tiempo sin tiempo, a la vez que absorbe la dinámica contemporánea. Anajnu Veatem es una manera de incorporarse a la vida artística de México de este sector. Es una manera de compartir su idiosincrasia, de recordar la historia y recrearla para las generaciones jóvenes. La trayectoria de Anajnu Veatem incluye giras por casi todos los estados de la República Mexicana y algunas ciudades del extranjero, así como infinidad de presentaciones en el Distrito Federal. Incluso ha incursionando en el cine participando

Sinfonietta Ventus

Duración:

61

Guido Maria Guida, director invitado

Con casi tres lustros de existencia, la Sinfonietta Ventus representa lo más destacado en el ámbito de los ensambles de alientos en México. Sus integrantes son sólidos y experimentados atrilistas de las más importantes orquestas mexicanas, todos ellos con notables trayectorias solistas. El repertorio de la Sinfonietta Ventus va desde la Harmoniemusik del siglo XVIII hasta octetos originales de nuestro tiempo, y pasa por los barrocos, los mexicanos modernos, el jazz, el mambo y otras numerosas manifestaciones musicales. El sobresaliente trabajo de la Sinfonietta Ventus (que ha actuado bajo la batuta de notables directores huéspedes) ha quedado registrado, hasta la fecha, en tres discos compactos de alto nivel. En el currículum del grupo se encuentran dos becas del Fonca y una del Fideicomiso para la Cultura México-EU. Con sus músicos invitados (también de alto nivel), la agrupación ofrece una de las portentosas serenatas para octeto de Mozart, el almibarado y romántico Idilio de Sigfrido que Wagner dedicara a su hijo, y la primera de las sinfonías de cámara de Schöenberg, ejemplo notable de la concisión y rigor de su revolucionario pensamiento musical, en el umbral de sus propuestas atonales.

AGRADECIMIENTOS:

Con la colaboración de a Embajada de Italia en México y el Instituto Italiano de Cultura

Teatre Romea traspasó las líneas del tiempo

en un desfile de excesos, prejuicios y anhelos del hombre

• Teatro

Delirante de principio a fin; festiva, perturbadora, brutal y a veces un poco enternecedora, es la versión teatral de Tirant lo Blanc que, la compañía Teatre Romea de Catalunya, presentó esta noche en el Auditorio del Estado en Guanajuato, donde el trazo escénico de Calixto Bieito, conjugó el espíritu épico del medievo con el de la sociedad actual, sobre una pasarela de modas por la que desfilaron los excesos, los prejuicios y los anhelos del ser humano contemporáneo.

Aparentemente frágil e incapacitada para desplazarse por si misma, una mujer de cabellera azabache da inicio a esta juerga escénica inspirada en la novela de Joanot Martorell, donde el juego por defender la vida se desarrolla sobre una plataforma alfombrada que lo mismo funge como campo de batalla, que como salón de banquetes o una alcoba, donde hombres y mujeres dan rienda suelta a su lujuria y pasión exacerbadas.

Para contar la historia, el dramaturgo Marc Rosich, utilizó cuatro narradores, quienes desde diferentes ángulos cuentan las hazañas de Tirant lo Blanc, aquel joven caballero del linaje de Roca Salada, quien según este insigne texto catalán liberó a Constantinopla de los turcos. Por una parte, Flor de Caballería (Àngels Bassas), cual ángel guardián, es encargada de acompañar al guerrero, y pregonar los ideales y la filosofía de la caballería, tanto en los referentes de guerra como en el fanatismo religioso.

Diefebus (Lluìs), primo de Tirant, aporta la mirada cínica que el escritor valenciano le imprime a su texto; es quien se convierte en el punto hilarante e irónico, a través de sus ocurrencias y proposiciones promiscuas. La Doncella Plaermavida es el puente para entrar a las lujuriosas batallas carnales que cada uno de los personajes sostiene.

Por su parte, Eliseu, la mujer invidente de cabellos oscuros, es quien tiene el camino entre el pasado y el presente, es a través de su mirada que Tirant, con su pesada armadura logra saltar en el tiempo y enfrentarse a visiones de su tiempo y las actuales. Esta organista es quien nos entrelaza en el tiempo, mediante el video y la teatralidad, por ello la enorme pantalla que se ubica como telón de fondo ayuda al espectador a traspasar las líneas del tiempo.

En diversas ocasiones, Bieito ha declarado que su objetivo para esta obra radica en proyectar al hombre en todo su esplendor, brutalidad e inocencia, a través de una galería de personajes, quienes gesto a gesto, palabra a palabra, evocan todo el saber bélico, político, amoroso, gastronómico y lingüístico del medievo.

Es así como Tirant lo Blanc, encarnado por Joan Negrié, deambula por el escenario junto con el Duque de Macedonia (Mingo Ràfols), Hipólito (Dafnis Balduz), el Señor de Agramunt (Josep Ferrer), el Emperador (Carles Canut), Carmesina (Beth Rodergas), Plaerdemavida (Roser Camí), la Viuda Reposada (Victòria Pagès), la Emperatriz (Begoña), Estefanía (Gretel Stuyk), Flor de Caballería (Àngels Bassas), la Bella Inés (Alina Furman) y Eliseu (Alicia Ferrer).

A través de la puesta en escena, nos podemos dar cuenta que el gusto por el buen comer, el luchar, el comer, el matar y el fornicar que distinguió a esta época de caballeros, es similar al espíritu del hombre contemporáneo.

El trazo escénico de Bieito dejó en segundo plano el ir y venir de los personajes por una laberíntica trama repleta de rincones esquivos y reiteraciones, y trazaron una dramaturgia en línea recta, para centrarse en lo sustancial de la novela y en el mundo jerarquizado que nos presenta.

La compañía Teatre Romea, con su puesta en escena Tirant lo Blanc, se presentará en el Auditorio del Estado, este viernes y mañana 11 de octubre, a las 20:00 horas.