María Zambrano, la primera mujer en ganar el Premio Cervantes

María Zambrano, la primera mujer en ganar el Premio Cervantes

La filósofa española nació el 22 de abril de 1904 y este sábado hubiera cumplido 113 años.

El País

Madrid, Abril 2017

“He comprendido esta mañana que ni siquiera es —ha sido— el ser persona mi proyecto, mi único proyecto, como tantas veces me he dicho a mí misma…”, escribió en 1958. Y poco más adelante: “Ser persona es la respuesta y, por ello, el único proyecto posible, al cual todos los proyectos deben quedar supeditados: lo moral, lo humano”. De muchacha quiso ser seria del modo más alegre; de adulta, peleaba por ser persona. De esa batalla dan cuenta estos escritos autobiográficos.

La filósofa española María Zambrano Alarcón habría cumplido este sábado 113 años. Google conmemora este lunes a través de un doodle el aniversario del nacimiento de esta intelectual, ganadora del Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades en 1981 y del Premio Cervantes en 1988.

María Zambrano es una de las principales figuras del pensamiento español del pasado siglo, y fue una innovadora al defender la necesidad de lo poético en toda indagación filosófica. Hija de maestros y firme defensora de la II República, se opuso al pensamiento único que se impuso durante los años treinta y cuarenta en España y Europa.

Hace 29 años, María Zambrano se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Cervantes. Homenajeamos a la pensadora

Nacida el 22 de abril de 1904 en Vélez, Málaga, María Zambrano estudió Filosofía en Madrid, donde fue alumna de José Ortega y Gasset y Xavier Zubiri y desde 1931 ejerció como profesora en la Universidad Central de Madrid. En los años anteriores al exilio entabló amistad con miembros de la Generación del 27 como Luis Cernuda o Miguel Hernández.

Al estallar la guerra, María Zambranose trasladó a Valencia y Barcelona, donde residió hasta 1939, cuando fue empujada al exilio en Francia. En los años siguientes, pasó por ciudades como París, Nueva York, La Habana y México, donde se instaló para impartir clases de Filosofía en la Universidad de San Nicolás de Hidalgo en Morelia (Michoacán). Durante esta etapa conoció a Octavio Paz y a León Felipe y publicó Pensamiento y poesía en la vida española y Filosofía y poesía.

María Zambrano pasó una temporada en Puerto Rico y después en Roma, donde escribió obras como El hombre y lo divino, Los sueños y el tiempo y Persona y democracia. Más tarde volvió a Francia y en 1984 regresó a España. La filósofa falleció el 6 de febrero de 1991 en Madrid.

Gustavo Dudamel: El Rockstar de la Música Clásica

Gustavo Dudamel: El Rockstar de la Música Clásica

Por Natt Félix

Gustavo Dudamel es el joven venezolano que con solamente 35 años de edad ha logrado ser reconocido alrededor del mundo y es considerado hoy en día uno de los directores de orquesta más importantes a nivel internacional. Actualmente dirige la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar y la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, además de haber sido nombrado como una de las 100 personas más influyentes en el mundo por la revista TIME, se dice incluso que “Rodrigo”, el protagonista de la serie “Mozart In The Jungle” es inspirado en él. Sus conciertos, sin importar si se encuentra en América, Europa o Asia, representan siempre llenos totales que hacen que hoy en día sea el venezolano más nombrado en los periódicos del mundo después del fallecido presidente Hugo Chávez.

Además de todo, la vida de Dudamel no puede considerarse aburrida en lo absoluto, se puede igualar con la de cualquier rockstar, tiene giras alrededor del mundo, es asediado por fans y medios de comunicación, tiene llenos totales en sus conciertos, aparece en portadas de revistas y programas de televisión, es ganador de un Grammy, estuvo a cargo de dirigir la música de apertura y créditos de la séptima entrega de Star Wars, y  por si fuera poco este año se presentó en el medio tiempo del Super Bowl junto a su amigo Chris Martin de Coldplay.

Pero a pesar de todo el glamour que podría representar la carrera y vida de Gustavo Dudamel, su principal éxito no reside solamente en su popularidad y fama sino en el compromiso que ha mostrado siempre con la educación musical, especialmente con niños y jóvenes, ya que es uno de los principales impulsores del famoso programa educativo musical venezolano llamado “El Sistema” iniciado por el Profesor José Antonio Abreu y que ha dado formación musical a más de 700 000 niños de escasos recursos a lo largo de poco más de 40 años.

“El Sistema” ha sido imitado por más de 80 instituciones de 20 países alrededor del mundo y ha transformado la educación musical en la solución para lograr que la difusión y aprendizaje de la música clásica no sólo esté enfocada en sectores de clase alta como siempre se ha acostumbrado sino en comunidades en situaciones sociales adversas, permitiendo a la par un futuro altamente prometedor además de representar una respuesta a la exclusión y marginación social de muchos niños y jóvenes.

En palabras del músico: “Hay niños que viven en una permanente violencia en casa…Para romper esa espiral, les ponemos un violín en las manos. Así forman parte de algo más grande: una orquesta y sanan las heridas con música”.

Con todo este movimiento se ha causado una revolución cultural en Latinoamérica donde el público es capaz de reconocer la calidad artística cuando la escucha sin necesidad de pertenecer a ningún tipo de elite social ni intelectual, logrando así además un rejuvenecimiento de la música clásica, además de convertirla poco a poco en una industria redituable, donde los boletos de las salas de conciertos empiezan a agotarse con meses de anticipación.

Mediante este medio se crea un recurso totalmente nuevo en la industria musical, donde el compromiso y energía de los jóvenes que conforman estas orquestas sirve de ejemplo para que otros jóvenes y niños se contagien del espíritu creativo demostrando que el trabajo duro y la disciplina siempre resultarán en algo positivo que puede romper el círculo vicioso de la violencia y la pobreza.

La música como cualquier otra disciplina artística debe de verse como una profesión capaz de generar los recursos necesarios para que cualquier profesional tenga la capacidad y oportunidad de vivir con dignidad además de brindar una opción de crecimiento y un medio para el fomento de proyectos culturales de gran calidad que a la vez puedan ser comerciales como en el caso de Gustavo Dudamel, quien nos demuestra que no es necesario esperar a que las circunstancias sean las ideales, sino que es necesario tomar las circunstancias y convertirla en ideales, sumando esfuerzos y haciendo trabajo en equipo para finalmente lograr que la música se convierta en un medio de vida digno.

Con su trabajo Dudamel ha logrado mostrar con audacia, pasión y compromiso que el negocio de la música no tiene que verse como algo plástico y efímero, sino como una verdadera expansión masiva del arte que forme un sistema económico redituable en la industria y que además posea un efecto positivo en la sociedad, demostrando que la educación y la enseñanza artística logra transformar al mundo.

“Mi música es mi voz y mis orquestas tocan para toda la gente en el mundo que persigue un futuro mejor. Alzo mi batuta en pos de la oportunidad, la unidad y la esperanza. Escuchen atentamente y quizás puedan oír esta llamada también”.  Gustavo Dudamel.

 

A 101 años del Genocidio Armenio: Siempre recordar, nunca olvidar y jamás permitir

Reloj Armenio en el Parque México

A 101 años del Genocidio Armenio: Siempre recordar, nunca olvidar y jamás volver a permitir

Por Natt Félix

 “Se estima que antes de la Primera Guerra Mundial vivían dos millones de armenios en el Imperio Otomano. Aproximadamente un millón y medio de ellos fueron asesinados entre 1915 y 1923. La parte restante fue islamizada o exiliada.”

Yo quisiera ver cualquier poder en el mundo destruir esta raza, esta pequeña tribu de gente sin importancia cuyas guerras todas ya han sido libradas y perdidas, cuyas estructuras están derrumbadas, cuya literatura no es leída, cuya música no es escuchada y cuyas oraciones no son respondidas. Adelante, destruya a Armenia, vea si usted puede hacerlo, mándelos al desierto sin pan y sin agua, queme sus hogares e iglesias, y después vea si no reirán nuevamente, no cantarán y no orarán. Cuando se encuentren dos de ellos en cualquier parte del mundo vea si ellos no van a crear una nueva Armenia.

 Armenia de William Saroyán

El pasado domingo 24 de Abril se llevó acabo la conmemoración de los 101 años del inicio del genocidio armenio cometido de 1915 a 1923 a manos del gobierno turco, día en el que de acuerdo a documentos históricos empezó la masacre con el secuestro y ejecución de 250 intelectuales y líderes armenios de la época; crimen de lesa humanidad que en pleno año 2016 sigue sin ser reconocido por parte del gobierno de Turquía, además de ser poco recordado por la memoria colectiva de las naciones a pesar de ser considerado como el primer genocidio del siglo XX, sucedido décadas antes del holocausto judío.

Los armenios son un pueblo milenario, siendo uno de los primeros asentamientos y civilizaciones humanas de las que se tiene registro, el idioma armenio incluso tiene un origen diferente y único en Eurasia, constituyendo una rama independiente de las lenguas indoeuropeas.

Armenia se encuentra en la región del Cáucaso meridional con el Monte Ararat al sur, lugar sagrado y símbolo del pueblo armenio, donde de acuerdo a las escrituras se posó el Arca de Noé después del Diluvio Universal, además de ser la región donde de acuerdo a la tradición oral también pudo haberse encontrado el Jardín del Edén. El pueblo armenio fue el primero en convertirse al cristianismo en el año 301 d.C., hecho que jamás fue perdonado por los turcos islámicos.

El actual gobierno de Turquía sigue negando sistemáticamente el genocidio, además de minimizar las evidencias del intento de exterminio contra los armenios a pesar de los múltiples esfuerzos a nivel internacional por lograr reconocimiento de tan trágico episodio. Por lo tanto, es de vital importancia que las naciones del mundo brindemos apoyo y reconocimiento internacional para el pueblo armenio como acto de justicia por las atrocidades de las que fueron víctimas.

A pesar de eso muchos gobiernos del mundo, incluido el mexicano siguen sin dar reconocimiento y voz al genocidio armenio, apenas 23 naciones lo han hecho hasta ahora, entre los que se encuentran Argentina, Bolivia, Chile, Uruguay y Venezuela en América Latina y, Bélgica, Francia, Holanda, Italia, Polonia, Suecia, Suiza, Rusia y el Estado Vaticano, en Europa.

Los Armenios en México

Cada 24 de abril los armenios alrededor de todo el mundo recuerdan el inicio del intento de exterminio de sus antepasados a manos del imperio otomano durante la Primera Guerra Mundial. Las masacres, los desplazamientos forzados y las incontables amenazas obligaron a gran parte de la población a escapar y buscar refugio en otras naciones, creando una diáspora en los diferentes continentes.

Uno de los varios lugares a los que lograron emigrar fue México, donde hubo un ingreso de varias decenas de armenios a través del puerto de Veracruz a principios del siglo pasado.  Muchos de ellos se trasladaron a la Ciudad de México, en donde se establecieron en el barrio de La Merced, en el centro histórico de la ciudad entre 1920 y 1930. Los refugiados lograron establecerse como pequeños comerciantes, principalmente en el rubro del calzado, llegándose a convertir en prósperos empresarios a base de arduo trabajo y sobre todo de gran capacidad de adaptación y supervivencia. Hoy los mexico-armenios se encuentran en destacadas posiciones como maestros, investigadores, empresarios, actores y músicos. Un claro ejemplo de ello es José Sarukhán, exrector de la Universidad Nacional Autónoma de México y el periodista fundador del periódico “La Jornada” Carlos Payán.

El pasado 24 de abril, la comunidad armenia en México se reunió en el Parque México en la Colonia Condesa, donde familias enteras, de segunda, tercera y hasta cuarta generación recordaron frente al Reloj Armenio que fuera donado por los habitantes armenios de la ciudad de México para mantener viva la memoria y la conciencia del holocausto armenio.

Después del medio día empezaron a llegar los descendientes de aquellos primeros refugiados armenios que encontraron un nuevo hogar en nuestro país, con claveles en mano y la flor de No Me Olvides como símbolo, fueron dejadas decenas de flores blancas a la orilla de la fuente del reloj como forma de conmemoración de tan importante fecha.

Acompañados también por un cuarteto de cuerdas interpretando música armenia, los asistentes convivían con familiaridad y gusto de encontrarse nuevamente, se podían escuchar conversaciones en idioma armenio y gente de todas las edades conviviendo. En nuestro país se calcula que la comunidad de origen armenio asciende a 2 500 personas hoy en día.

En el evento estuvo presente el Dr. Carlos Antaramián, antropólogo investigador del Colegio de Michoacán y principal representante y difusor de la cultura armenia en México, quien a través de publicaciones, conferencias, exposiciones y documentales ha podido dar voz a la presencia del pueblo armenio en nuestro país y el continente americano desde hace ya varios años.

La lucha del pueblo armenio es únicamente por reconocimiento, memoria y reparación al daño causado a sus antepasados y su historia, es tiempo de que exista una empatía por parte de la humanidad a tan importante hecho histórico que, a pesar de las manifestaciones internacionales en protesta a la falta de justicia por parte del gobierno turco, no ha encontrado un cambio de postura para que jamás otro pueblo del mundo experimente un suceso tan trágico como este.

 

Primavera Violeta: Marchan miles de mujeres al Ángel en protesta contra la violencia de género

La Jornada. Por Blanca Juárez.Primavera Violeta Ciudad de México. La primera Movilización Nacional contra las Violencias Machistas dio inicio con niñas, activistas, madres de mujeres asesinadas o desaparecidas, amas de casas y estudiantes que marchan juntas para exigir el respeto a sus derechos y para exhortar a otras a unirse y no guardar silencio ante las agresiones.

La “Vulvatucada” va delante, musicalizando el avance y sorprendiendo a los transeúntes con sus canciones provocadoras: “Al violador, cuchillo volador!”.

Los carriles laterales de Reforma con dirección al sur han sido cerrados para el paso del contingente. Elementos de la Secretaría de Seguridad Pública de la Ciudad de México y de Tránsito flanquean el avance de las manifestantes. También se encuentran monitores de la Comisión de Derechos Humanos del Distrito Federal (CDHDF) y de Amnistía Internacional (AI).

“Ni una menos” exigen en pancartas, en alusión a las que han sido asesinadas por su condición de género. Un contingente de ciclistas también recién arribó desde Coyoacán. Motociclistas enfundadas en cuero se sumaron a la protesta nacional.

La vanguardia avanzaba por Paseo de la Reforma, mientras que la retaguardia salía de la Plaza de la República. “De camino a casa quiero ser libre, no valiente”, dice la pancarta de una joven. “Son mías, no de la banda”, se ha escrito la misma chica en el pecho.

“Vivas nos queremos” van coreando a todo lo que su voz puede dar. Uno de los objetivos de acudir a esta marcha, explicó, Jimena Álvarez Rodriguez, quien no pertenece a ningún colectivo, es “hacer visibles las violencias que vivimos a diario, algunas soportamos el acoso y otras ya no pudieron más, fueron víctimas del feminicidio”.

De manera ordenada, por contingentes, partieron a las 3 de la tarde. “Tiemblen los machistas que América Latina será toda feminista” corearon a la salida del Monumento a la Revolución.

Irinea Buendía y Norma Andrade, madres de dos jóvenes asesinadas, se encuentran dentro de la marcha. Madres lesbianas, feministas socialistas, bailarinas, artistas, académicas, así como un contingente de jaraneros también han asistido.

Algunas mujeres llevaron a sus novios, amigos, hermanos o papás, sin embargo, los varones no marcharon en los primeros contingentes.

Las Mujeres Músicas

Por Natt Félix

Hace unos meses, una amiga dedicada a la fotografía de música me contó que en una ocasión al tratar de bMaría Urtuzuástegui por Annie Cortésuscar en internet frases sobre mujeres que son músicas (entendido como ”Mujer que se dedica a la música”, favor de buscarlo en el diccionario de la RAE) para poder escribir un pie de foto en una de sus páginas, tristemente encontró artículos relacionados con el tema con títulos bastante absurdos como: “Es imposible que una mujer pueda tocar la guitarra. Aquí la investigación científica…” o “La guitarra en nuestra vida es signo musical esencial… así la mujer con su cuerpo se me asemeja a ella y tiene estilo y suavidad”.

Ahondando con ella sobre el tema nos sorprendió lo inadmisible, ilógico y ofensivo que resulta encontrar este tipo de artículos hoy en día y sobre todo la cantidad de gente que sigue manteniendo esa misma mentalidad e imagen respecto al papel de las mujeres en la música y más aún la ignorancia que prevalece en la población ante la gran aportación a este arte por parte del género femenino. Por alguna razón sigue siendo visto como algo común decir que eres ama de casa pero no que eres productora.

Afortunadamente hoy en día es cada vez más común ver mujeres destacadas en las diferentes esferas laborales y no solamente en las categorías de rol y estereotipos impuestos por la sociedad en épocas anteriores. Específicamente debe reconocerse que el papel de una mujer en la música no debe en ningún momento limitarse a un único ámbito o género, una mujer puede ser instrumentista, compositora, arreglista, directora de orquesta, productora o ingeniera y puede hacer rock, blues, jazz, música clásica, hip-hop, funk, soul o jazz.

Desde tiempos muy antiguos ha sido controversial y poco reconocido el papel de las mujeres en la música. A través de la historia se mencionan sólo algunos nombres y se tiene muy poca información de sus aportes ?lo cual hace parecer irónico que la santa patrona de la música sea una mujer: Cecilia de Roma, una de las primeras organistas y laudistas del siglo II. Las miradas casi siempre se hayan situadas en los logros masculinos, tal es el caso de María Anna Mozart, quien no fue reconocida en su momento debido al trabajo de su hermano o los de Clara Schumann y Alma Mahler quienes quedaron desplazadas por el trabajo de sus esposos.

No es sino hasta el siglo XX que comenzaron a abrirse las brechas en la historia de los derechos femeninos y con esto, los derechos de participación de las mujeres en actividades que antes habían sido catalogadas como exclusivas para hombres.

Muchas veces es muy fácil traer a nuestra mente nombres de destacados guitarristas, bajistas, bateristas y productores, acreedores de reconocimientos en el mundo de la música, pero muy pocas veces podemos mencionar el nombre de sus colegas mujeres.

Recordemos entonces a personajes como Janis Joplin, Patti Smith, Nina Simone, Aretha Franklin, Joan Jett, Björk, Melissa Etheridge, Dolores O’Riordan, Sinead O’Connor, Debbie Harry, Stevie Nicks Shirley Manson, Missy Elliot, Suzanne Vega, Norah Jones, Fiona Apple y Florence Welch, entre muchas otras, nosotras no sólo cantamos y tenemos “voces bonitas”, nosotras componemos, escribimos, creamos, producimos, movemos.

Tan sólo en el rock existen bajistas como Kim Gordon de Sonic Youth, Tina Weymouth de Talking Heads, Paz Lenchantin, quien ha trabajado con Pixies y Queens of Stone the Age, D´arcy Wretzkyy de The Smashing Pumpkins, Kim Deal de Pixies y The Breeders y Melissa Auf der Maur quien también estuvo con The Smashing Pumpkins y The Hole.

Y qué decir de bateristas como Samantha Maloney quien sustituyó un tiempo a Randy Castillo en Mötley Crüe, Sandy West de The Runaways, Cindy Blackman, percusionista de Carlos Santana y Lenny Kravitz, Meg White de The White Stripes, Karen Carpenter de The Carpenters y Maureen Tucker del legendario Velvet Underground, por mencionar sólo Productoras musicales como Trina Shoemaker, primera mujer ganadora del Grammy como Ingeniera de Audio; Susan Rogers, ingeniera de sonido de Prince y Profesora de Producción Musical en Berklee College of Music; Cordell Jackson, fundadora de Moon Records, una de las primeras disqueras estadounidenses; Sylvia Moy, productora de Stevie Wonder en Motown; Sylvia Robinson, fundadora de Sugar Hill Records, una de las primeras disqueras en producir Hip-Hop en los años 70’s; o la multipremiada Leslie Ann Jones, directora de Skywalker Sound, compañía de George Lucas y primera mujer en pertenecer a la mesa directiva de la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias de la Grabación, quienes otorga los premios Grammy.

La productora Susan Rogers declara que las mujeres que quieren entrar a este campo se enfrentan “a un club de hombres o a una mentalidad de gremio”, “tienes que ser muy arrogante y enfrentarte a muchos desafíos, si no, no tendrás éxito”, añade. Trina Shoemaker menciona que quizá deban pasar 20 años hasta que las productoras sean reconocidas plenamente, como en el caso de los médicos que ahora están a la par”. Hace tan sólo un par de semanas la misma Björk decía en una entrevista a la revista Pitchfork “No lo estás imaginando, es duro, todo lo que un hombre dice una sola vez, tú lo tienes que decir cinco veces”, dirigiéndose a las mujeres jóvenes que empiezan a enfrentarse a esta realidad. Los dobles estándares de género en el ambiente musical son reales y no lo estamos imaginando. Muy poco se ha hablado de la discriminación musical y de lo que implica hoy en día luchar por un lugar en la música como mujer, que no sólo tiene que ver con el trabajo sino con la oportunidad de obtenerlo y de que sea reconocido.

En la misma entrevista Björk menciona “Después de ser la única mujer en una banda por 10 años, aprendí de la manera difícil que si iba a expresar mis ideas, iba a tener que simular que los hombres habían tenido la idea primero”.

Björk que estuvo al frente de los Sugarcubes durante los 80’s y 90’s declaró lo mucho que tuvo que esforzarse por ser tomada en cuenta y recibir crédito por su lugar creativo. En la misma entrevista platica que en una ocasión charlando con la rapera y productora inglesa M.I.A., ella misma le aconsejó fotografiarse enfrente de la consola mezcladora en el estudio para que la gente pensara “Está bien, una mujer con herramientas es tanto como un hombre con una guitarra”.

Mucho depende también de lo que la gente ve durante una presentación, a veces hay tantas personas en el escenario haciendo todo tipo de cosas y lo único que el público ve es sólo una cantante, sin saber que muchas veces esa cantante es la que compuso, produjo y condujo a los músicos que ven durante el show.

En un artículo de reciente publicación en Champion Up North escrito por Sarah Statham, se menciona que tan sólo en la música electrónica y la ingeniería musical se puede reconocer el trabajo de personas como Delia Derbyshire quien aportara el ensamble del wobbulator en los estudios de la BBC, aparato encargado de modular frecuencias y, quien además fue creadora del tema central de la serie Dr. Who; Suzanne Ciani, productora y creadora de jingles para empresas como Coca-Cola, Atari y General Electric, que a través de su trabajo con sintetizadores logró consolidarse como una de las primeras ingenieras de audio, ella fue quien creó el famoso y emblemático sonido que aparece en los comerciales al destapar y servir una botella de Coca-Cola.

Daphne Oram, quien fuera pionera en la creación de un sistema parecido a lo que hoy se usa en softwares de producción musical tales como ProTools, donde se representan y manipulan sonidos de manera visual; Eliane Radigue, quien con su trabajo con el sintetizador ARP 2500 creó una extensa obra de música electrónica durante la segunda mitad del siglo XX; Clara Rockmore, destacada por mejorar la calidad del sonido del Theremín, uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos que existieron; Pauline Oliveros, investigadora musical que acuñara términos y teorías como la “Conciencia Sonora” y la “Escucha Profunda” para la grabación en espacios con sistemas de resonancia atmosférica y Laurie Anderson quien fue la creadora de un violín con cinta magnética en el arco en lugar de la crin de caballo, además de crear numerosos filtros vocales usados hoy en día.

Y cómo olvidar el destacado trabajo de Wendy Carlos, que desarrolló un sistema de afinación propio además de ser gran difusora de la música electrónica con su trabajo con cineastas como Stanley Kubrick, con quien colaboró en la banda sonora de La Naranja Mecánica y El Resplandor.

La música siempre ha sido trasgresora a las épocas, rompiendo cánones establecidos, y abriendo caminos para nuevas corrientes, logremos que uno de estos cánones rotos sea el de género, reconozcamos no sólo el trabajo de las mujeres que vinieron e hicieron grandes aportes antes que nosotros, impulsemos e inspiremos la educación de niñas y adolescentes para que se conviertan en mujeres músicas destacadas y con capacidad de aportar más a este universo creativo que aún tiene mucho por crecer.

Citando a Courtney Love: ”Quiero que cada niña en el mundo tome una guitarra y Adjunto el pie de foto que finalmente usó mi amiga Annie Cortés para ilustrar su publicación: “Gracias Joan Jett, Lita Ford, Jennifer Batten, Orianthi, PJ Harvey, Chrissie Hynde y muchas más por demostrar una y otra vez que las mujeres sabemos tocar la guitarra y muy bien”.

David Bowie: Una odisea en la Tierra

David Bowie.Por Óscar Sarquiz Figueroa

La Jornada

Dignidad, elegancia y generosidad no alivian el luto: hasta aparentes ajenos lamentan dolida y elocuentemente el deceso de David Bowie. Aún no asimilado el impacto de su legado final, el sorprendente álbum Blackstar, que lanzó en su cumpleaños, conmocionó que el cáncer le venciese dos días después, dejando tan inefable adiós. Dijo el productor Tony Visconti, su veterano y frecuente colaborador: “Su vida, como su muerte, fue una obra de arte.”

Su logro final corona una larguísima serie de ellos –así como de inevitables tropiezos– que vertebran cincuenta y un años de adictiva productividad: veinticinco álbumes de estudio, cinco en concierto (tres de ellos dobles), cincuenta y un videoclips, veintiún roles fímicos, diez televisivos, ciento once temas musicales sencillos (más de dos por año) y un total estimado en 140 millones de álbumes vendidos desde su debut en 1967, le redituaron una fortuna estimada en 192 millones 462 mil 750 dólares.

Formidable numeralia, no razón sino efecto de su trascendencia: “Soy un generalista”: “Por qué se te asocia más con el rock’n’roll?”, se le preguntó. “¡Es sólo una fachada!”, reveló.

Las semillas de la voracidad cultural que subyace tan vasta productividad fueron sembradas desde la infancia de David Robert Jones, nacido en el barrio londinense de Brixton el 8 de junio de 1947, precisamente cuando Elvis Presley cumplió doce años. El contraste es dramático, ante infancias similarmente modestas. El Rey del Rock perdió a su mellizo al nacer, pero el pequeño David tuvo un medio hermano nueve años mayor cuya influencia detonó su vocación artística: Terry Burns, primogénito ilegítimo de Margaret Mary Peggy Burns, mesera del restaurante frecuentado por John Jones, quien se divorció para legitimar a David, el hijo que concibieron. La admiración del pequeño por su medio hermano mayor, proclive a música, literatura y bohemia enceló a su padre, que trató de separarlos. Pero David, quien se maquilló por primera vez a los tres años con los cosméticos de su madre, siguió gustoso a Terry hacia Chuck Berry, Buddy Holly y su propia mayor inspiración, el exhibicionista Little Richard, seguidos de John Coltrane, Charles Mingus, Eric Doplhy y los autores beat que leía su hermano: Kerouac, Ginsberg, Corso, Ferlinghetti, Burroughs.

El ojo de Bowie: adiós a la normalidad

La sensibilidad musical de David se manifestó pronto: se abandonaba al baile tan espontáneamente que le auguraban un futuro balletístico. Atraído por el saxofón, empezó a tomar lecciones a los doce años con un instrumento de plástico. En 1962, en una riña por una chica con su amigo George Underwood, éste le golpeó con su anillo el ojo izquierdo que, paralizado con la pupila distendida, le impartió su insólito aspecto característico.

Asistía al Tecnológico de Bromley cuando estalló el Beat Boom detonado por los Beatles. Encabezó en 1964 los Kon-Rads, luego los King Bees y los blueseros Mannish Boys, desbandados ese 1965. Persistente, fundó The Lower Third y grabó con ellos temas tan típicos de 1966 como los Monkees, grupo sintético televisivo cuyo sedicente vocalista Davy Jones –compatriota y homónimo–, lo orilló a diferenciarse adoptando nombre de cuchillo de combate. Su debut fue Do Anything You Say, pulcro pero adocenado, uno de tantos.

Nunca más. Impuesto por su mánager, grabó el atípico sencillo humorístico “The Laughing Gnome” (que inicia con fagots) y un sorprendente álbum debut epónimo, donde abandonó el rock pop en boga para retrotraerse al estilo orquestal del baladista y entre-tenedor crooner británico Anthony Newley; no con canciones convencionales, sino de su extravagante autoría: desde románticas y oscuramente humorísticas hasta cuadros costumbristas, parodias del ambiente pop y sus trepadoras, travestis, mendigos, enterradores y hasta canibalismo. Su histrionismo interpretativo, nutrido en su fascinación infantil por la comedia musical, atrajo al mimo Lindsay Kemp, quien le instruyó en danza, pantomima y artes amatorias.

Rechazado en 1968 por el sello Beatle Apple, fundó el pronto disuelto trío Feathers, que dio paso a un trunco proyecto ambicioso: un corto para televisión basado en canciones de su primer álbum y un nuevo tema que Bowie escribió con inspirada urgencia tras ver 2001: Odisea del Espacio, de Stanley Kubrick: “Space Oddity” (singularidad espacial), recién reversionada en conmovedor videoclip musical autoproducido y grabado a bordo de la Estación Espacial Internacional por su significativo admirador, el astronauta Chris Hadley.

El sencillo, lanzado un mes antes de la muerte de su padre, no impactó en 1969. Empero, recibió la presea Ivor Novello del gremio autoral para destacar la originalidad de su canción espacial. Su balada romántica “When I Live My Dream” ganó convencionales festivales cancioneros de Malta e Italia, y organizó un festival gratuito en Beckenham donde cantó ante 5 mil personas, vivencia que inspiró el tema “Memory of a Free Festival”. Crecida su presencia radial, la televisión lo proyectó a la popularidad al usar “Space Oddity” para la cobertura del primer alunizaje. Su primera gira fue como cantautor solista a lo Bob Dylan, otra gran influencia.

Intentó otro proyecto grupal, Hype, con el bajista Tony Visconti y los futuros “Arañas de Marte”: Mick Ronson, el guitarrista y Woody Woodmansey, baterista. Conoció a la modelo Angela Barnet y pronto convivieron; casados en 1970, ella le sugirió ostentarse andrógino y travestirse para impactar en los medios. La portada de su segundo álbum, el inesperadamente pesado The Man Who Sold The World lo mostró enfundado en un vestido (“un vestido de hombre”, aclaró luego), y postrado en actitud provocativa que fue sustituida por un retrato escénico más convencional para el relanzamiento internacional.

La sexualidad iconoclasta

Su primogénito, Duncan Zowie Haywood, nació el 28 de mayo de 1971, cuando su ambigüedad sexual hacía famoso a su padre; pero ni su siguiente álbum, Hunky Dory (en cuya portada imita a Lauren Bacall), ni su sencillo, el hoy clásico “Changes”, tuvieron éxito inmediato. Irónicamente, otro tema incluido, “Oh, You Pretty Things” sí lo tuvo… ¡pero en la versión de Peter Noone, exfigura frontal de los sesenteros Herman’s Hermits!

En 1972, Bowie proclamó su bisexualidad e inició una larga gira británica al frente del trío que, con Trevor Boulder al bajo, bautizó como The Spiders. Su primera presentación televisiva, el 23 de mayo, su elocuente interpretación de “Starman”, marcó su despegue al estrellato.

Su nuevo personaje, un apocalíptico antihéroe bisexual inspirado en el protorrockero británico Vince Taylor (a quien Bowie conoció tras el colapso mental sufrido por aquél, luego del cual Taylor decía ser una mezcla de dios y extraterrestre) protagonizó The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders From Mars con tal éxito que Bowie, hastiado, anunció su retiro, pero sólo fue el primero de una la larga serie que posteriormente le valió el estereotipo de “camaleón del rock”.

Le sucedió, enajenado e icónico, el álbum Aladdin Sane, inspirado en su afligido hermano (quien, víctima de la esquizofrenia familiar que siempre temió David, se suicidó en 1985) como imagen de la enajenación contemporánea; luego vino Pin Ups, inesperado homenaje nostálgico de sus años formativos, retratado con la icónica modelo sesentera Twiggy, en el que hizo atinadas versiones de viejos temas ajenos. De regreso al futuro, frustrado por la negativa de la viuda de George Orwell a permitir que basara un musical en su célebre distopía 1984, hilvanó el delirante relato postapocalíptico Diamond Dogs, cuyo rollingstoneano sencillo, “Rebel, Rebel”, abonó a su creciente popularidad.

En su siguiente álbum y primer directo, David Live, hizo su versión del clásico “Knock On Wood”, anticipo del “plastic soul” que caracterizaría Young Americans, álbum que grabó en Philadelphia para abrazar su vieja fascinación por la música negra americana y que, a partir del éxito del tema titular, le proyectaría al éxito masivo, ya descartada la androginia y sustituida por un dandismo más grato al gran mercado.

Su residencia en Los Ángeles mediando los años setenta lo dejó adicto a la cocaína, que le estragó físicamente, como lo delata su debut fílmico El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell To Earth), donde encarnó sin esfuerzo a un extraterrestre varado en nuestro planeta tras fracasar en el salvamiento del suyo, que resucitaría cerca de su propia muerte.

Confrontado con su beligerante esposa Angie, entró a su rescate Corrine Coco Schwab, quien, habilitada como asistente personal (y eventual amante) de por vida, rentó un apartamento en Berlín, donde alejó a Bowie de tentaciones en compañía del protopunk Iggy Pop (a quien, como a Lou Reed, agradeció su influencia artística produciéndoles sendos álbumes que reactivaron sus carreras) y del talentoso productor y sedicente antimúsico Brian Eno, con quien creó entre 1976 y 1977 su seminal “trilogía berlinesa”: Station To StationLow y Heroes, álbumes con los que marcó tendencia innovadora para luego ser un narrador comedido en la versión de Pedro y el lobo, de Prokofiev, a cargo de Eugene Ormandy.

Su segundo álbum doble directo, Stage, hizo tiempo en 1978 para la aparición al año siguiente de Lodger, otro radical viraje no sólo para él sino para el rock entero, completado al año siguiente por Scary Monsters, cima de su creciente discografía en la que el tema “Ashes To Ashes” revisa por primera vez su propia historia a través del resurrecto náufrago espacial Capitán Tom, tan vencido y enviciado como el extraterrestre de su debut fílmico.

El 8 de febrero de 1980 formalizó su divorcio y obtuvo la custodia de su hijo a cambio de una compensación económica. Debutó en teatro, aclamado por público y crítica en el papel de John Merrick, en El hombre elefante. En 1982 protagonizó Baal, de Bertolt Brecht, para la televisión británica, que rindió el extended play de cinco temas Baal’s Hymn. También coprotagonizó la vampírica El ansia (The Hunger) con Catherine Deneuve y Susan Sarandon, el drama bélico Merry Christmas, Mr. Lawrence y coestelarizó en tele-visión Little Drummer Boy, postrer sencillo del primer ídolo pop, Bing Crosby.

En la cima de su popularidad, ventajosamente recontratado en términos económicos, combinó a integrantes claves del grupo Disco Chic con el descollante joven bluesero texano Stevie Ray Vaughan para grabar el álbum Let’s Dance, que capitalizó exitosamente su idoneidad para el floreciente medio del videoclip musical. Intentó, por primera vez, reiterar ese éxito con el similar pero fallido Tonight y grabó con el guitarrista de jazz Pat Metheny This Is Not America, para la banda sonora de la cinta de espionajeThe Falcon and The Snowman.

En 1985 cantó con un grupo improvisado (que incluyó en las congas a Perico Ortiz, único mexicano que llegó a tocar con Bowie) en el magno festival internacional de beneficencia Live Aid, donde también se proyectó el mortificante video donde se pavoneaba forzadamente con Mick Jagger, haciendo la pantomima de “Dancing In The Street”.

El corazón, el silencio y el regreso a casa

En su siguiente álbum, irónicamente titulado Never Let Me Down, intentó reaccionar contra su reciente sesgo comercial, pero el resultado fue un confuso punto bajo de su discografía. Su consecuente gira Glass Spider, la más cara y compleja de su carrera, lo agotó al punto de reinventarse una vez más como si fuese sólo otro miembro del grupo Tin Machine, con la sección rítmica de los hermanos Sales, ex de Iggy Pop, y el estridente guitarrista virtuoso Reeves Gabrels, con quienes grabó dos álbumes de estudio y un directo ante la general indiferencia del público.

Su gira de 1990, Sound And Vision, programada por votación pública, pareció por primera vez retrógrada, pero su boda con la bella modelo somalí Iman le inspiró Black Tie White Noise, álbum nupcial que logró balancear su filia por la música negra con sus experimentos electrónicos. Reactivada su creatividad,Outside le reveló nuevamente a la vanguardia, como luego sucedió con Earthling, influido por la electrónica drum & bass y cuya gira le trajo por primera vez a México. Tras proyectos tan radicales, Hourssorprendió con su síntesis de pasadas búsquedas, en consecuencia lograda y serena. El siguiente álbum,Heathen, prosiguió su autorredescubrimiento tras larga peregrinación estilística, clásico sin reiterar, maduro sin complacencia, como el subsecuente Reality que le confirma capaz de recuperar su pasado yendo hacia el futuro sin redundancia. Álbumes de madurez, acaso mejor apreciables desde la misma, precedieron al período “lennoniano” en que el otrora notorio se refugió en el relativo anonimato de una vida familiar en la urbe de hierro, y devota paternidad de su segunda hija, Alexia, a la que solía llevar de la mano caminando rumbo a la escuela.

Una década de tal silencio transcurrió tras sufrir en 2004 la indignidad de una paleta arrojada contra su ojo hábil en Noruega, seguido por una crisis cardíaca en escena que pasó factura de sus antiguos excesos. Se rumora que sufrió hasta seis infartos, pero sus seres cercanos dicen que por primera vez Bowie disfrutaba de la placidez doméstica con su familia, hasta que sorprendió al mundo con The Next Day, álbum que lo reunió con viejos colaboradores como Visconti y su veterano pianista Mike Garson, para evocar sus viejos personajes autointerviniendo su pasado creativa y promisoriamente. Durante el año y medio transcurrido desde que le diagnosticaron cáncer de hígado, Bowie libró digna y discreta batalla mientras preparaba el musical Lazarus, que prosigue la historia del extraterrestre caído entre nosotros y el álbum, que se convertiría en su regalo y revelador mensaje de despedida, epilogado conmovedoramente por “I Can’t Give It All Away” (no puedo revelarlo todo).

El viejo mago nos dejó la impresión de una pulcra despedida calculada, y un boquete irrellenable en la cultura que, en su calidad de intenso lector, pintor y espectador, fue su única adicción vital. Visconti reveló, empero, que su muerte le sorprendió: tenía cinco canciones listas para una secuela que ya no existirá. Tras su partida, Garson recordó que Bowie le contó años atrás que un psíquico le había anunciado que moriría a los sesenta y nueve años. Se equivocó: David Bowie ya es inmortal •

 

Cosas que debemos contar a nuestros hijos sobre David Bowie

Cosas que debemos contar a nuestros hijos sobre David Bowie

Lección 1: Sé atrevido. Lección 2: Sal de la zona de confort. Y así, muchos más valores que puedes explicar a las nuevas generaciones

Ante todo, sé curioso
Sobre todas las cosas, David Bowie era músico, pero no de esos endogámicos que solo piensan en escalas y acordes. Fascinado por el cine, el arte, la moda y los libros, todas estas facetas le influyeron y formaron parte de su universo. Un artículo de The Guardianrecordaba su capacidad de leer ocho libros al día. El peso de la moda en su obra es evidente; fue de los primeros músicos en encargar a un diseñador el vestuario de sus conciertos, como hizo con el japonésKansai Yamamoto, responsable del famoso mono negro con perneras abultadas de la gira Aladdin sane, de 1973. Si Lady Gaga es como es, se debe básicamente a que Bowie lo hizo antes.

Sal de la zona de confort, no te estanques
Aprende a evolucionar como Bowie, que a lo largo de su carrera fue muchas cosas: fijándonos solamente en su pelo, lo tuvo de al menos 29 formas diferentes. Fue hombre del espacio, payaso y hombre-elefante (en Broadway): genuino británico y neoyorquino de manual. Incluso fue gay y hetero a la vez, si es que tal cosa es posible (estuvo 24 años casado con la modelo Imán). Con su constante transformación, nos enseñó a salir de la zona de confort y experimentar.

Bowie, vestido de pirata apocalíptico en una presencia televisa de 1974.

Bowie, vestido de pirata apocalíptico en una presencia televisa de 1974. / GETTY

Vivir activo y despacio es compatible
Antes de que llegara la moda de loslow, el Duque nos enseñó a tomarnos las cosas con tranquilidad. Prefería un largo y tranquilo viaje en tren o en barco a uno fugaz en avión (en parte por su pánico a volar). Se dice que entre 1972 y 1977 no pisó un solo aeropuerto. En 1973 afrontó así su gira mundial: cruzó el Atlántico en barco, recorrió Estados Unidos en bus o tren, surcó el Pacífico otra vez en barco para actuar en Japón y tomó el Transiberiano para volver a Europa.

Sé original y atrevido
Está bien copiar a los grandes, pero es mejor ser único. Si Bowie es un mito del rock es porque no se parecía a nadie. Perteneciente a la generación de músicos de los sesenta, los que dieron forma a esta revolución sonora, Bowie no se apuntó a modas imperantes sino que se adjudicó una personalidad y un estilo propios e inéditos hasta la fecha. Fue atrevido. Y la osadía es, a fin de cuentas, lo que distingue a un genio, ya sea de la música o de cualquier otra faceta de la vida.

Aprende de tus errores
Equivocarse, aparte de inevitable cuando uno empieza en cualquier actividad, es necesario: de los errores se aprende. El propio Bowie lo demostró, cuando después de algunos (pocos) pinchazos en su discografía, se rehizo y supo resurgir aún con más fuerza. Después de los discos clásicos de los setenta como Ziggy Stardust, Aladdin Saney Diamond dogs, terminó la década con algunos lanzamientos más oscuros; sin embargo inició los ochenta con fuerza, gracias a singles como Ashes to ashes, Under pressure (con Queen) y Let’s dance (los tres, número 1 de ventas en Reino Unido).

En 1978, durante la gira ' LowHeroes', con esos pantalones 'oversize' que puso de moda.

En 1978, durante la gira ‘ Low/Heroes’, con esos pantalones ‘oversize’ que puso de moda. /GETTY

Cuida a quienes te quieren
En contra de la opinión de sus mánagers, Bowie siempre procuraba dar lo mejor a sus fans, aunque eso implicara una fuerte inversión económica por su parte (a veces poco rentable). Un ejemplo es su gira de 1987, The glass spider tour: uno de los montajes más ambiciosos de la historia del rock. Cada escenario costaba 10 millones de dólares, y había dos. Cuando se comprobó que los costes superaban los previstos (se necesitaban 43 camiones para mover aquello), no dudó en poner de su bolsillo 1 millón a la semana para pagar a los 150 empleados adicionales que tuvo que contratar.

Sé educado
Fueron sus exquisitos modales, y no su fama, los que sedujeron a Iman, según contó ella misma al Daily Express. Así que si siendo educado uno puede ligarse a una supermodelo, habrá que cuidar las formas. También se comportaba como un perfecto gentleman con la prensa. Los periodistas que le han entrevistado cuentan que cuando al final de la charla aparecía el mánager para anunciar, como es de rigor, que el tiempo se había acabado, Bowie decía: “No, cinco minutos más. Estoy muy cómodo”. Así se ganaba al periodista para los restos.

Haz buen uso de la tecnología
No sabemos qué teléfono móvil tenía el sexagenario Bowie, pero seguramente era de última generación. Pese a crecer como músico en los sesenta y primeros setenta, no era de los que sentían una insana nostalgia por el pasado y estaba a la última en tecnología. A mediados de los setenta se alió con el genio de las maquinitas Brian Eno para producir varios discos poco comerciales. En 1999 se embarcó en la aventura de participar en el diseño de un videojuego (Omikron: Nomad soul), en el que incluso hacía un cameo. A tecnológico nunca le ganó nadie.

David Bowie interpretando 'Ziggy Stardust' en 1973 en Los Angeles, California.

David Bowie interpretando ‘Ziggy Stardust’ en 1973 en Los Angeles, California. / GETTY

Aprende a bailar
Un hombre que baila bien es un hombre atractivo. Y Bowie no sólo cantaba bien, sino que se movía estupendamente. De acuerdo, no era Michael Jackson, pero imprimía a sus movimientos su característica elegancia, como puede comprobarse en el vídeo de Dancing in the street, a dúo con Mick Jagger. Contemplándolo uno se pregunta por qué Maroon 5 titularon su canción Moves like Jagger y no Moves like Bowie. Un estilo inconfundible (a la pata coja, ligeramente inclinado hacia un lado, un brazo arriba y el otro abajo) del que Miguel Bosé tomó buena nota.

Sé elegante
Décadas antes de que los expertos en coaching pregonaran que nuestro aspecto físico es nuestro escaparate, Bowie dejó clara la importancia de la elegancia. El glam, corriente que él contribuyó a modelar, no era otra cosa que subir al escenario con las mejores galas. En 2013 protagonizó una campaña de Louis Vuitton, en cuyospot (de 6 minutos) aparecía en medio de una fiesta palaciega con invitados vestidos de época. Su buena percha —delgado hasta el final— también ayudó.

¿Tienes ya a tu hijo encandilado con las lecciones del maestro Bowie? Pues ahora es el momento de ponerle el vinilo de Ziggy Stardust.

Murió el pionero de las baquetas Vic Firth

Everett “Vic” Firth, músico, maestro y creador de una de las marcas de baquetas más populares del mundo, murió hoy a los 85 años.

 

La noticia fue dada por el sitio web de su compañía, donde se recibieron miles de mensajes de amigos y seguidores.

 

El multiinstrumentista nacido en Winchester, Massachusetts, fue inspirado por su padre, quien era trompetista,  y lo llevó al camino de la música desde muy pequeño, donde empezó tocando instrumentos de aire, y más tarde de percusión, uniéndose a la Orquestras Sinfónica de Boston con tan sólo 21 años de edad. A principios de los 60’s fundó su propia compañía, la cual se consolidó como una de las empresas productoras de baquetas más populares, además de crear también otros instrumentos. Entre sus clientes más leales se encuentra Charlie Watts de los Rolling Stones.

 

Entre otros logros destacados de Vic Firth se encuentra el haber sido la cabeza del departamento de percusiones del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra y del Centro Musical Tanglewood.

Un Tango de Cardel

Hace 80 años que cada día canta mejor

Patricia Vaca Narvaja y Jorge Alberto Delgado Fernández

La Jornada

En el mismo día de su muerte, en Medellín nació un mito. Curiosa tragedia de esa estirpe de ángeles caídos, que nos ofrendan su vida eterna, su brillo solar y, en el caso del “ mudo” del Abasto, su voz de tenor alegre y feroz en un inverso pacto mefistofélico en el que ellos lo ofrendan todo, para dejarnos el alma preñada de magia.

Si poco se sabe de la vida de Cristo entre su año cero y su vía crucis, no es mucho más lo que deja saber el Gardel temprano, salvo que recaló en ese barrio porteño de tomates podridos, como lo definiera Luca Prodan. Allí, fue sobreviviendo y creciendo, al filo de la ley y de una guitarra. Hubiese sido Caruso si hubiera emergido en el lugar correcto de la geografìa. Gracias a Dios, fue geográficamente incorrecto y no fue ópera, fue tango.

¿Y fue por ese río de sueñera y de barro que las proas vinieron a fundarme la patria?, desgranaba Borges su angustia histórica. Y ese ancho cauce fue un remolino que absorbió colores, idiomas, dioses, saberes, gozos y dolores de millones de pobres allende el Atlántico. Paradojas de esa globalización decimonónica, impiadosa a muchos efectos, pero más benévola en uno: a los pobres de entonces no se los interceptaba en el mar, ni se los excluía con muros o alambradas. Esos desarrapados se unieron a los desarraigados en su propia tierra, a los que rumiando la derrota intuían las ciudades desde las orillas y los arrabales bravos y fueron pariendo, desde viejas melodías, una nueva música.

Pero en un principio, el dos por cuatro era danza, milonga escandalosa y prostibularia que todavía no era canción y no ingresaba en el círculo del champagne y el smoking, aún acechaba en el de la ginebra y el cuchillo.

Gardel encontró en ese ambiente y en sus cuerdas vocales la herramienta ideal para gambetear la pobreza, empezando por las zambas, los valsecitos, los sonidos criollos con los que se evocaban ambientes bucólicos de tiempos perdidos. Así, frente a un pueblo nativo que, sitiado por aquella globalización, buscaba reencontrarse con sus raíces musicales y frente a un pueblo inmigrante que exploraba nuevas identidades, el Morocho del Abasto fue midiéndole el pulso a auditorios que, uno a uno, fueron rindiéndose a su voz. Del abasto y las orillas el “ mudo” se fue colando entre públicos más selectos, cabarets y burdeles de lujo en ambas bandas del Río de la Plata.

El tango rondaba a Gardel, hasta que lo tomó por asalto. Como los grandes innovadores del arte de todos los tiempos, como Beethoven, Van Gogh, Lumière o Verdi, asumió la enorme responsabilidad de ser un precursor y la suya fue una de las primeras voces que interpretaron el tango canción. Con la voz del “ mudo”, “ mi noche triste” graduó al tango de poesía.

De la mano del tango canción comenzó a recorrer el mundo: Madrid, Barcelona, Nueva York y París se fueron inclinando a su paso. Como la humedad de los cimientos de los conventillos rioplatenses, el tango fue ascendiendo socialmente, ya no era sólo ginebra y cuchillo, se vistió de gala y se bebió con champagne en los salones de las grandes capitales del mundo. Las angustias dejadas por la devastación de la Gran Guerra y la búsqueda de un bálsamo que las curara fueron un campo fértil para que el tango corriera como reguero de pólvora.

 

Llega por primera vez a México la perfección de Miguel Ángel Buonarroti

Arriba por primera vez a México la perfección de Miguel Ángel Buonarroti

Reúnen 29 obras del pintor, escultor y arquitecto, así como 45 de artistas cercanos al florentino

En la muestra montada en el Museo del Palacio de Bellas Artes destaca la sección dedicada a la escultura de Miguel Ángel Buonarroti, donde el público podrá observar el Cristo Portacroce (Cristo Giustiniani), de 1514-1516, y una réplica de La Piedad, del Vaticano, que el creador renacentista realizó entre 1498 y 1499. La exposición que será inaugura este viernes incluye dibujos, óleos y documentos.

Fabiola Palapa Quijas

La Jornada

Por primera vez en México, los admiradores del Renacimiento tendrán oportunidad de adentrarse en el mundo perfecto y lleno de emociones del pintor, escultor y arquitecto Miguel Ángel Buonarroti, en la exposición que será inaugurada este viernes en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

El visitante de la muestra Miguel Ángel Buonarroti: un artista entre dos mundos será recibido por los retratos del artista italiano que se atribuyen a Marcello Venusti; de Victoria Colonna, de Cristofano di Papa, y el de Lorenzo el Magnífico, de Giorgio Vasari. Ahí conocerá sus primeras obras, su relación con los mecenas y una carta escrita en Roma a su sobrina Leonarda en Florencia, en la cual le manifestó su sentir en torno a su última etapa creativa.

Con la curaduría de Francesco Buranelli, ex director de los Museos Vaticanos, y Luis Javier Cuesta, director del departamento de arte de la Universidad Iberoamericana, la muestra reúne 29 obras del artista florentino, así como 45 piezas de artistas cercanos a Miguel Ángel, provenientes principalmente del acervo de la Casa Bounarroti, además de contar con algunas procedentes de la Gallería degli Uffizi, Museo Nazionale del Bargello, Musei Capitolini y Museo di Roma, así como de los museos nacionales de Arte y de San Carlos, entre otros.

En palabras de los curadores, lo más importante de la museografía fue reflejar por qué Miguel Ángel era un artista universal, la importancia que ha tenido en los recientes 500 años y por qué esa importancia se fue reflejando en México a lo largo de varias épocas.

Bocetos de los frescos de la Sixtina

Al recorrer las cinco secciones de la muestra, el público experimentará lo que viven miles de turistas que visitan la Basílica de San Pedro al ver La Piedad del Vaticano, pues, aunque se trata de una réplica, se puede apreciar el exhaustivo estudio sobre el cuerpo humano del artista, ya que para Buonarroti la producción escultórica era el medio por excelencia para transmitir las emociones más puras de la vida.

En esta sala también se encuentra el Cristo Portacroce (Cristo Giustiniani), de 1514-1516, obra en mármol de 2.50 metros que se presenta por primera vez fuera de Italia.

Se cuenta que cuando Miguel Ángel realizaba la escultura encontró una mancha negra en el mármol, la cual atravesaba el rostro de Cristo, y como era tan perfecto decidió interrumpir la obra, que concluyó Bernini.

A las esculturas del artista, sigue la sala con los bocetos del proceso creativo de los reconocidos frescos ubicados en los muros de la Capilla Sixtina.

En esta sección se encuentran Juicio final, de Andrés de Concha, ubicado en el retablo mayor de la iglesia de Santo Domingo en Yanhuitlán, Oaxaca, misma que hace referencia al estudio del conjunto para el Juicio final de Miguel Ángel.

Según Buranelli, la exposición muestra la influencia del artista en América Latina, como ocurrió con Andrés de Concha.

La muestra finaliza con la escultura del David-Apolo, la cual fue encargada a Bounarroti en 1530 y se presume que puede ser David, porque en la parte inferior tiene una protuberancia que sería la cabeza de Goliat, a quien venció.

Está la otra versión que dice que es Apolo, porque tiene la actitud heroica de sacar una flecha de su espalda.

La exposición Miguel Ángel Buonarroti… concluirá el 27 de septiembre en el Museo del Palacio de Bellas Artes (avenida Juárez y Eje Central Lázaro Cárdenas, Centro), de martes a domingo de 10 a 18 horas.